A importância da Regência na Formação Musical

A importância da Regência na Formação Musical

Trabalhar com ensino de música não é tarefa fácil devido a banalização de conteúdos que são encontrados na rede de Internet. Atualmente qualquer pessoa sem nenhuma formação pode subir algum tipo de conteúdo na rede e ter esse conteúdo acreditado pela sua audiência como verdade absoluta.

Embora quando se trata de ensino regular de música, o perfil de professor que dá aulas o ano inteiro e que tem compromisso com a formação de seus alunos. Esse professor precisa estar formado e preparado para conseguir atingir seus objetivos.

Uma atividade comum e rentável, principalmente em cidades pequenas, é a Regência de Coro e Orquestra. Regência de Coro e Orquestra nada mais é do que maximizar o desempenho de um coro ou orquestra numa apresentação. A boa performance deve ser atingida com um bom regente que dará a direção do coro ou orquestra através de gestos visíveis garantindo uma coerência de uma obra numa apresentação.

Basicamente, o regente precisa perceber o nível de repertório que o coro será capaz de executar e fazê-los cantar afinado e no ritmo. Mas não é apenas isso, o regente precisa saber ler a partitura, conhecer e saber a interpretação de gravações diversas da música usada no coro.

É importante que o regente, tenha boa leitura, boa percepção musical, tenha habilidade de leitura nas claves de sol, fá e dó, perceba com clareza ritmos simples e compostos e tenha uma boa noção de dinâmica. A boa memória musical ajudará muito o regente, somado a habilidade de escrever arranjos e a capacidade de  pensar o som imaginário e o real escrito na partitura.

O ouvido absoluto pode ser de grande ajuda, embora apenas a capacidade de perceber intervalos já será de grande valor, ou seja, o regente tendo um bom ouvido relativo já conduzirá bem o grupo.

 

Acidentes em uma composição de partitura

Acidentes em uma composição de partitura

Na música existem dois tipos de acidentes: acidente de ocorrência e acidente fixo. Acidente ocorrente, coloca-se o sinal à esquerda da figura e altera todas as notas de mesmo nome e de mesma altura que surgirem depois da alteração até o final do compasso em que se encontra. Acidente fixo ou tonal, seu efeito estende-se sobre todas as notas do mesmo nome durante todo um trecho ou música, o conjunto de acidentes fixos, grafado entre a clave e a fração de compasso, chama-se armadura.

Basicamente acidente ou alteração é um sinal que pode ocorrer na música escrita e é colocado diante da nota que modifica a sua entoação. Cada nota pode ser alterada de quatro maneiras diferentes. A alteração pode ser ascendente: sustenido e dobrado sustenido e descendente bemol e dobrado bemol, e um sinal de alteração variável: o bequadro. O sustenido (♯) eleva a altura da nota em um semitom (meio tom) e o dobrado sustenido (𝄪) eleva a nota natural em dois semitons. O bemol (♭) abaixa o som da nota um semitom (ou meio tom) e o dobrado bemol (𝄫) o som da natural da nota em dois semitons. O bequadro (♮) é um sinal de precaução e anula o efeito dos acidentes sustenidos e bemóis tornando o som da nota natural.

Home Studio e mercado musical atual

 Home Studio e mercado musical atual

Com os avanços tecnológicos a toda força, junto com o advento da explosão de informações disponíveis na rede de internet: tutoriais sobre equipamentos no Youtube;  sites de venda ofertando uma variedade de opções de tipo e marcas de acessórios usados em estúdios de gravação, tudo isso a um preço acessível a qualquer pessoa. Hoje em dia produzir gravações se tornou mais fácil e barato.

Desta forma, muitas bandas, cantores, empresas diversas conseguiram produzir suas músicas ou vincular suas propagandas audiovisuais, usando serviço dos Home Studios. Situação que no passado era inacessível devido a preço elevado e também pelo fato de os estúdios profissionais só existirem em grandes centros. 

Apenas com um laptop, uma interface, um microfone unidirecional, alguns cabos, uma sala com pouco tratamento acústico e um produtor com um pouco de conhecimento técnico em Daw de gravações, edição de áudio, conhecimento sobre acústica, se tornou possível criar gravações que beiram a qualidade de estúdios profissionais.

Com possibilidades de registrar gravações " mais caseiras", o mercado musical mudou e se adaptou, passando a aceitar não apenas mais gravações feitas em estúdios profissionais, abrindo espaço para trabalhos realizados em estúdios mais compactos. Estações de rádios passaram a colocar na sua programação trabalhos feitos em Home Studios.

Anatomia e fisiologia para cantores

Anatomia e fisiologia para cantores

Anatomia e fisiologia são áreas distintas da biologia. Todos nós tivemos algum conhecimento mesmo que básico quando estudamos o Ensino Fundamental e Médio. As estruturas do corpo são estudadas pela anatomia e o funcionamento dessas estruturas é explicado pela fisiologia. Mas é preciso que o cantor, locutor ou qualquer pessoa que trabalhe a voz se interesse por essa área? Digamos que se o profissional que usa a voz quer ter um melhor aproveitamento e longevidade a resposta é sim.

O trato vocal vai das pregas vocais até a boca e nariz é composto por cavidades e regiões tais como: cavidade nasal, cavidade oral, úvula, faringe, epiglote, esôfago, laringe, língua, mandíbula, lábios, etc. Esses são os articuladores do nosso som. Para que isso aconteça é necessário que entendamos alguns conceitos da acústica da voz: harmônicos e ressonância. Harmônicos são produzidos pelas pregas vocais e são um ciclo de vibrações que produz uma série infinita de frequências. Ressonância são ondas refletidas em um espaço delimitado e quando essa onda encontra uma outra onda da mesma frequência ela se amplifica.

    É necessário saber como cuidar desse sistema para que muitos problemas possam ser evitados. Muitos hábitos e acontecimentos podem ser nocivos à voz tais como: pigarrear, falar muito, falar sussurrando, gritar, ingerir café em excesso, evitar ambientes secos, evitar fumar e álcool entre outros. Manter uma boa saúde em geral, dieta balanceada e aquecimento e desaquecimento da voz antes das apresentações são algumas recomendações.

Música no Período Renascentista

Período Renascentista

Período marcado pela valorização do "eu", a música foi essencialmente vocal e o uso da polifonia foi bastante explorado. A música dividiu-se em sacro e profana. A sacra era executada à capella com polifonia e com técnicas de cânone. A profana era acompanhada por instrumentos podia ser monofônica ou polifônica.

Contexto histórico medieval:

• difusão da imprensa pela Europa;

• cultura ganha importância;

• livros impressos mas ainda inacessíveis;

• humanismo;

• Leonardo da Vinci e Michelangelo;

• Arquitetura deixa de ter aspecto vertical e se torna mais horizontal;

• Viagens de Cristóvão Colombo e Pedro Álvares Cabral;

• protestantismo;

• Martinho Lutero;

Música vocal:

• música sacra: missas, motetos e coral alemão;

• música profana: ayre, frottola, lied, madrigal, chanson;

• música renascentista;

Música instrumental e seus gêneros:

• canzona;

• música de dança;

Música instrumental e seus estilos:

• pavane;

• gaillarde;

• allemande;

• courante;

Compositores:

• Orlando di Lasso;

• Giovanni Pierluigi da Palestrina;

• Josquin des Prez;

• Johannes Ockeghem;

Principais gêneros  e estilos composicionais:

• cânone e suas variações;

• missa;

• chanson;

• ayre;

• frottola e lauda;

• lied alemão;

• quodlibets;

• madrigal;

• moteto;

Orlando Di Lasso - "Cum essem Parvulus"

Josquin Des Prez - "Mille Regretz"

Música no Período Medieval

Período Medieval

No período medieval a música girava em torno de motivos religiosos, a igreja controlava a sociedade. O canto gregoriano de vozes masculinas uníssona surgiu no reinado de Gregório I com intenção de preservar o aspecto original das melodias sem sofrer modificações ao serem passadas de um para outro.

    

Surgiram as primeiras notações musicais chamadas neumas. Surgiu o tetragrama, antecessor da pauta, e também surgiram as primeiras notações de claves.

A missa torna-se essencialmente musical. Surgiram os trovadores com temática secular para entreter. A música instrumental era utilizada para acompanhar as danças.

Contexto Histórico Medieval:

• Primeira idade média;

• Alta idade média;

• Idade média central;

• Baixa idade média;

Estrutura política:

• sistema feudal;

• vassalagem e suserania;

• igreja católica;

Estrutura social:

• Rei;

• nobreza feudal;

• camponeses artesãos;

Música vocal:

• Antifonas;

• himnodias;

• salmodias;

• troppos;

• sequências;

• cantochão;

Canto gregoriano:

• origem;

• primeiros esboços de notação;

• neumas e pautas;

• missas e suas partes;

• características do rito litúrgico;

Trovadores e troveiros:

• temas seculares;

• compasso ¾; 

• minnelieder;

 

Música instrumental:

• estampida clássica e estampida francesa;

Instrumentos:

• vielle ou fiedel;

• organistrum;

• órgão portátil positivo e portativo;

• saltério;

Compositores:

• Guillaume de Machaut;

• Philipe de Vitry;

• Francesco Landini;

• John Dunstable;

• Hildegard von Bingen;

Guillaume de Machaut - "Messe de Notre Dame"

John Dunstable - "Agnus Dei"

A Música Popular Urbana no Brasil

A Música Popular Urbana no Brasil: Características e Contribuições para a Formação da Cultura.

O aumento da população no início do século XVIII na colônia Brasil, oportunizou a formação de pequenos centros em cidades emergentes tais como Salvador, Ouro Preto, Rio de Janeiro, e concomitantemente deu condições para criação de um novo modelo de entretenimento: óperas, festas profanas e festas religiosas.

Primeiramente essas atividades culturais eram uma forma de laser para a classe dominante da época e, alguns proprietários de grandes posses patrocinavam orquestras de música qual mantinham escravos negros que eram treinados a executarem diversos instrumentos para interpretar músicas de autores europeus para convidados especiais em eventos fechados.

Em meados dos últimos anos do século XVIII, surge a Modinha , canção lírica, singela, feita para duas vozes cultivada a princípio pelas classes sociais mais abastadas e que depois vai se popularizando entre todos os cidadãos, até se tornar forma de expressão tanto para os portugueses quanto para os brasileiros. 

No Brasil a palavra "Moda" tem dois significados diferentes: qualquer tipo de canção e moda de viola, gênero de canção praticado principalmente em São Paulo e Minas Gerais. Dessa última as características formais e melódicas, a modinha se configura de maneira muito rica e ela não assume apenas uma forma específica e caracteriza-se também  por ser mais singela e principalmente pelo tema amoroso nas letras. Segundo Mario de Andrade em "Dicionário Musical Brasileiro" e "Modinhas imperiais" a palavra no diminutivo "modinha" está ligada a características "acarinhantes" tão presentes na cultura luso Brasileira. 

A diferença entre a modinha portuguesa da modinha brasileira atribui-se a influência advindas do Brasil. As tentativas feitas pelos escravos de tocar as modinhas que eram escutadas em apresentações para aristocracia e que posteriormente foram escutadas por instrumentistas portugueses, se tornaram características advindas do Brasil colônia na modinha portuguesa. Elementos tais como, melodia ondulante, cromatismo melódico junto com acompanhamento singelo e, segundo E. de Lima em "As modinhas do Brasil" as melodias entre cortadas compostas de motivos sincopados, ora em retardo, ora em antecipação, são influências brasileiras na modinha portuguesa.

Concluímos que existe uma grande quantidade de modinhas que possuem características muito próprias tais como: melodias sinuosas de poucos compassos e compostas por pequenos motivos, presença da síncopa melódica, acompanhamentos em arpejos de quatro colcheias imitando as batidas do pandeiro ou ganzá. Isso são características do universo afro-brasileiro e são base para chorinho, o maxixe e samba. 

Apesar de nessa época o Brasil ter uma dependência política dos portugueses, as características musicais mostram uma identidade musical própria brasileira no que se diz respeito a produção musical.

Como contribuição temos também  o Lundu, dança popular brasileira trazida pelos escravos angolanos e que tem como essência a mistura de elementos da cultura negra, portuguesa e espanhola e foi praticada por negros e mestiços no decorrer do século XVIII e XIX. O lundu era dançado acompanhado por batuque e viola, o lundu possuía coreografia, a famosa umbigada que era a sensual requebrada das ancas e os trejeitos das mãos e estalos dos dedos elemento associado ao fandango espanhol.

Posteriormente a modinha e o lundu se misturaram dando origem ao lundu-canção, essa mistura era apresentada em espetáculos para membros da classe média tanto no Brasil quanto em Portugal. A peça de lundu era escrita para uma voz solista ou para duas vozes, em compasso binário simples, predominantemente em tonalidade maior com melodias sincopadas escritas em fragmentos curtos e esquema formal variado. O tema do lundu permeou o amoroso com tendência a comocidade e a sensualidade, o lundu mais conhecido é o "Lá no largo da Sé velha" de Cândido Inácio da Silva. 

Concluindo, tanto a modinha quanto o lundu sofreram influência da classe aristocrática e das classes menos privilegiadas. E no decorrer do tempo sofreram mudanças até formarem uma mistura a qual cativou vários compositores no Brasil e em Portugal e, hoje ambas são um patrimônio cultural, riqueza folclórica e contribuição para o entendimento da música urbana.